Que un
hombre muerda a un perro puede ser el detonante de una noticia… o de una
película. Cineastas e informadores comparten una misma pasión, la de describir
la realidad de modo más o menos subjetivo, armando una narrativa que le dé un
cierto sentido. Aunque no lo tenga. A su vez, los periodistas se han convertido
en personajes centrales de muchas ficciones, ya sean profesionales tenaces
enfrentados heroicamente a amenazadoras fuerzas corruptas
o granujas manipuladores capaces de todo con tal de satisfacer su obsesión por
la fama, la exclusiva y el titular. El cine ha contribuido a modelar el
estereotipo asociado a todos ellos, testigos necesarios que a menudo acaban
implicados hasta el fondo. Desde los galanes de traje y corbata, con su
identificación prendida en el ala del sombrero, hasta los blogueros que retozan
en ese nuevo campo sin puertas llamado internet, este libro repasa cincuenta de
las mejores películas sobre prensa escrita, radio y televisión; historias de
grandes logros, dilemas deontológicos y miserias cotidianas. ¡Que no paren las
rotativas!
Desde el momento en que las películas se convirtieron en un fenómeno popular en Occidente,el cine fue utilizado como un útil medio de adoctrinamiento moral y cristiano: un vehículo paradifundir la palabra de Dios y poner en imágenes las Sagradas Escrituras. La aparición de Dios enlas pantallas es tan antigua como el cinematógrafo, y su representación ha dependido no solo dela conveniencia circunstancial que necesitaran los intermediarios del poder divino en la Tierrapara sus ambiciones religiosas, sino de la propia evolución tecnológica del invento. Cuando el cinehubo extendido suficientemente las enseñanzas religiosas, algunos cineastas utilizaron este arte paratratar su particular relación con Dios, de manera que la cámara, dotada aún del elemento mágico que fascinó en sus orígenes, facilitó dar forma a un pensamiento que ha trascendido en algunos casos a su propio trabajo mediante una influencia intelectual dentro de la sociedad. A través del análisis de cincuenta títulos esenciales abordaremos diferentes posturas acerca de la idea de Dios desde la perspectiva de unos cineastas formados dentro de una cultura judeocristiana, católica o protestante, de manera que, conforme han evolucionado las costumbres religiosas en las que su culto ha estado arraigado, han ido transformándose las visiones de Dios a lo largo de la historia del cine.
Gracias a la capacidad del cine para hacernos
soñar, millones de personas han podido navegar por mares y océanos. Desde los
albores del cinematógrafo se han producido películas sobre el mar, en ocasiones
—aunque escasas—, potenciando sus bondades; en otras —demasiadas—, explorando
su peor vertiente: las tragedias de los naufragios y la inmigración, la
delincuencia de la piratería o del narcotráfico, la ambición de conquista, la
precariedad de los pescadores… Pero, a pesar de la brutalidad con la que a
veces se manifiesta, el mar suscita un atractivo —quizás atávico porque de él
surgimos— que provoca que se contemple con admiración, tanto en su agitación
como en su calma.
El pasado como presente50 películas de género histórico.
Las películas son un testimonio de la sociedad de ayer y de hoy. Cuando evocan el pasado lo hacen desde el presente en el que fueron concebidas, del mismo modo en que los espectadores vivimos en presente las películas que vemos sobre el pasado. Además, cuando retratan el presente, al poco tiempo se transforman en pasado. Por tanto, una de las posibles maneras de entender el cine es verlo como un conjunto de documentos visuales que pueden transformar-se en testimonios históricos. Sin embargo, la diversidad es grande: las películas están producidas con intenciones muy diferentes y dirigidas a distintos sectores de público. Desde el noticiario informativo y la película documental hasta el film de pura ficción, las obras que se dan cita en este libro se han transformado en el espejo de una época, ya que evidencian cómo eran las personas que participaron en ellas y la sociedad en la que nacieron.
La violencia, ese instinto animal arraigado en el hombre desde tiempos
remotos, se institucionaliza a través del Estado, poseedor de su monopolio bajo
el amparo de la ley, para impartirse desde motivaciones supuestamente
legítimas; entre otras, la de salvaguardar la paz social mediante esa represión
que trata de mantenernos alejados de la barbarie. Intrínseca a esa prerrogativa
del Estado está la facultad de obligar a sus ciudadanos a secundar esa
violencia, aportando su sufrimiento e incluso su propia vida y la de sus seres
queridos. El cine, reflejo de todas las facetas que engloba la existencia del
ser humano, nunca estuvo al margen de la representación de la guerra, ya sea
para apoyarla, para censurarla, para constituirse en mero testimonio histórico
o incluso para utilizarla como un espectáculo más con el que distraer a la
audiencia. La guerra es, por desgracia, ese elemento que siempre estuvo, está y
estará presente en el devenir del género humano.
Cuando en 1897 el irlandés Bram Stoker publicaba Drácula no imaginaba la trascendencia
que iba a tener su personaje en el imaginario colectivo, convertido en icono
popular gracias al cine. Bela Lugosi, con su interpretación en Drácula (Dracula, Tod Browning, 1931), establecía el canon vigente durante
dos décadas; hasta que el actor Christopher Lee recibía el testigo en la
película que Hammer Films dedicaba al personaje en 1958. El carácter simbólico
y la capacidad transgresora del no muerto, sobre todo en lo referente a la
sexualidad y a la ruptura del orden establecido, evolucionaba con el paso del
tiempo asumiendo nuevos significados y modificando sus significantes,
abandonando los escenarios góticos e infiltrándose en contextos urbanos
contemporáneos, acomodándose a los nuevos problemas e inquietudes vigentes en
la sociedad; unas veces simbolizando sus causas, otras sus consecuencias.
Recrear momentos de la historia es una de esas quimeras
hacia las que la gran pantalla nos sirve de puente, y uno de los momentos que
el cine ha visitado con mayor frecuencia ha sido la edad media, período
mítico por excelencia en el que se basa buena parte de las leyendas y los
referentes de nuestra sociedad actual. El medievo queda al mismo tiempo lo bastante lejos como
para poder crear mundos exóticos y arcanos que nos seduzcan, y lo bastante
cerca como para que nos podamos sentir identificados con él. Así, a través de
intermediarios, como la literatura, desde Shakespeare hasta Walter Scott, o
la pintura de historia del siglo XIX, el séptimo arte ha contribuido de forma
decisiva a crear nuestro cliché de la edad media. Un mundo de oscuridad,
misterio, magia y barbarie tan romántico que, aunque quizá nunca ha existido,
ha habido que inventarlo.
El cine de los países escandinavos siempre ha estado relacionado con la profundidad y la solemnidad de las películas de Bergman y Dreyer. Temas como el existencialismo, la insignificancia del ser humano frente a la naturaleza o el sentimiento de culpa emparejado a la religión luterana, han formado parte del séptimo arte nórdico. Sin embargo, el cine escandinavo es mucho más que eso, ya que, al hilo de una producción fílmica más de arte y ensayo, el cine comercial relacionable con los géneros más tradicionales y populares también ha tenido un desarrollo importante por esas latitudes. El recorrido que proponemos con 50 de las películas más representativas de la filmografía escandinava pretende recorrer la historia del cine nórdico a través de filmes emblemáticos de los cinco países que nos atañen: Suecia, Dinamarca, Noruega, Islandia y Finlandia. Desde un punto de vista cronológico, partiremos de los años veinte del siglo XX y nos detendremos un siglo más tarde. Dreyer, Bergman, Lars von Trier o Kaurismäki, lógicamente, formarán parte de nuestro recorrido, así como movimientos como el Dogma 95 o el nuevo cine islandés, sin olvidar filmes desconocidos o no estrenados en España, así como rarezas y grandes éxitos de taquilla en sus países de origen.
Cuenta
André Breton que, cuando el grupo surrealista acudía al cine, acostumbraba a
entrar comenzada la proyección, y la abandonaba al poco tiempo para volver a
irrumpir en otra sala, donde se exhibía otra película, en cualquier momento de
la función. Al final de la jornada, las secuencias dispersas, cubiertos los
huecos en la imaginación, iban construyendo en la memoria un nuevo argumento, a
partir de la lógica irracional, fragmentaria y elíptica del inconsciente. Algo
de la visión «sonámbula», y profundamente liberadora, que reivindicaba el
surrea-lismo, subyace en el viaje por el imaginario histórico a través del cine
italiano que recorre las páginas de este libro. Los autores proponen un
itinerario punteado de elipsis, saltos, pasadizos subterráneos, flashbacks y flashforwards, un recorrido transhistórico
que se apoya en el asincronismo entre el tiempo que señalan las tramas, a
partir del cual se ha ordenado la selección de los films, y el de su producción
y estreno en sala. En resumen, lo que este volumen plantea es una de tantas
historias posibles de Italia —tantas como antologías probables— a través del
objetivo de la cámara.
Decía Godard que el cine no es un
arte que filme la vida, sino que está entre el arte y la vida, y ese puente
entre los dos juegos de reglas queda paradigmáticamente representado por un
género que, como el Anillo Único, puede gobernarlos a todos: el musical. Desde
el mismísimo origen del cine sonoro, los musicales han sido esenciales para el
séptimo arte. Han creado estrellas, levantado y hundido estudios, servido como
impulso artístico y como mero espectáculo, se han pasado de moda y han
resucitado. Pero, sobre todo, han dejado en sus espectadores un rastro de
canciones y bailes que perdura mucho más allá del tiempo que pasan en la sala
de proyección. Este libro incluye un repaso por la historia del cine musical
occidental, explora los mecanismos particulares del género y analiza 50
películas que pueden explicar su evolución a través de las décadas. Como exclamaba Roy Scheider entre el arte y Bob Fosse: It's showtime!
¿Existe un cine de superhéroes? ¿Son la infantil o incluso fascista representación de fantasías dañinas, o un mito moderno que hay que saber leer? En las nueve décadas que el superhéroe ha existido en nuestra cultura, su figura y sus aventuras han servido a muchos fines, desde el puro entretenimientoy evasión al más descarnado retrato de nuestras limitaciones y mezquindades. Y eso ha sido así en el papel, en la radio, en la televisión y en el celuloide. En este libro recorremos la historia del superhéroe y el supervillano en el cine proponiendo 50 títulos que reflejan cómo se han expresado en cada época, los elementos artísticos, narrativos y empresariales que han formulado,y los hitos que han llevado a su actual explosión y dominio de la taquilla. Del Capitán Maravillas al Joker, de Lex Luthor a Thanos, de los Fleischer a Shyamalan. Más poderosos que una locomotora o armados con una simple llave inglesa, esta es la historia de cómo los superhéroes han encarnado imposibles, creado mundos y cambiado el cine.
La presencia pictórica en el cine no se agota en las
múltiples versiones
de El retrato de Dorian Gray o en las biografías
de artistas plásticos,
retratados para la gran pantalla a través de sus
obsesiones. El recurso
a la pintura ofrece un amplio abanico de posibilidades
que abarcan la
inspiración de la puesta en escena, la recreación de
conocidas obras
pictóricas, la construcción de un espacio simbólico a
partir de cuadros
concebidos expresamente para el celuloide, el perfilado
de personajes
a través de lo pictórico e, incluso, su empleo como
materia de sueños
y pesadillas. Su presencia es un recurso para reflexionar
sobre los
sistemas de representación visual mediante directores que
no han
podido escapar a su influjo.
Esto es tan solo una muestra, como si del tríptico de una
exposición
se tratase. Visiten la galería completa: 50 películas que
nos hacen ver
la pintura y el cine con otros ojos.
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