Desde el momento en que las películas se convirtieron en un fenómeno popular en Occidente,el cine fue utilizado como un útil medio de adoctrinamiento moral y cristiano: un vehículo paradifundir la palabra de Dios y poner en imágenes las Sagradas Escrituras. La aparición de Dios enlas pantallas es tan antigua como el cinematógrafo, y su representación ha dependido no solo dela conveniencia circunstancial que necesitaran los intermediarios del poder divino en la Tierrapara sus ambiciones religiosas, sino de la propia evolución tecnológica del invento. Cuando el cinehubo extendido suficientemente las enseñanzas religiosas, algunos cineastas utilizaron este arte paratratar su particular relación con Dios, de manera que la cámara, dotada aún del elemento mágico que fascinó en sus orígenes, facilitó dar forma a un pensamiento que ha trascendido en algunos casos a su propio trabajo mediante una influencia intelectual dentro de la sociedad. A través del análisis de cincuenta títulos esenciales abordaremos diferentes posturas acerca de la idea de Dios desde la perspectiva de unos cineastas formados dentro de una cultura judeocristiana, católica o protestante, de manera que, conforme han evolucionado las costumbres religiosas en las que su culto ha estado arraigado, han ido transformándose las visiones de Dios a lo largo de la historia del cine.
Desde que en 1895 los hermanos Lumière proyectarán sus primeros films en el Salón Indiano del Gran Café del Boulevard des Capucines de París, la comida como temática y la cocina como espacio han sido elementos fundamentales en infinidad de películas. De hecho, la comida siempre ha sido un elemento recurrente del atrezo cinematográfico en los casi 130 años de audiovisual, y ha ido adquiriendo progresivamente un estatus y una presencia notoria en infinidad de cintas. Desde hace varias décadas, disfrutar de un plato o prepararlo se han convertido en ingredientes principales para multitud de relatos cinematográficos firmados por autores como Luis Buñuel, Federico Fellini, Claude Chabrol, Martin Scorsese, Agnès Varda, Pedro Almodóvar, Nora Ephron, Wong Kar-wai o Quentin Tarantino. A lo largo de este libro se hace un recorrido por la historia gastrofílmica del cine y se analizan medio centenar de títulos que abarcan diferentes geografías yen los que la trama está marcada por lo culinario. La elaboración de platos, las reuniones y actossociales, los recuerdos y tradiciones que se exhiben en los films estimulan el apetito y empujana los espectadores a buscar otras sensibilidades y otras formas de comunicarse sensorialmente através de las texturas y sabores proyectados.
El presente libro propone un trayecto de lectura (de los muchos
posibles) del clasicismo cinematográfico, abordándolo como un modelo de
práctica cinematográfica singularizada en el que convergen un canon
estético-narrativo férreamente codificado y un preciso sistema de producción.
Nuestro corpus de estudio se centra en la producción cinematográfica
estadounidense entre 1930 y 1956, atravesando el período de mayor esplendor del
sistema de estudios y el surgimiento de las escrituras manieristas durante la década
de los cincuenta. Los autores elaboran una síntesis de la esencia del
clasicismo cinematográfico en su configuración formal, narrativa, ideológica e
industrial arquetípica a partir del análisis de una selección de cincuenta de
sus títulos más representativos, mediante sus principales directores, géneros y
enfoques ideológicos, al tiempo que se aspira a contrarrestar la extendida idea
de homogeneidad del universo del cine clásico.
Este libro parte de la idea de que en el contexto
actual realidad y ciencia ficción son una misma cosa. Por un lado, la ciencia
ficción ha ido evolucionando de una forma dinámica, incorporando el pulso de
la realidad para (re)interpretarla mediante sus propios mitos, enriquecidos
no solo con la forma audiovisual sino con un abundante equipaje conceptual y
estético procedente de la literatura, la ilustración, el cómic e incluso la
divulgación científica. Por otro lado, los estilemas del género se han
incorporado definitivamente al imaginario popular, en los campos de la
publicidad, el videoclip o incluso el arte contemporáneo. Por todo ello,
conviene redifinir la propia evolución del género abandonando ya ciertas
convicciones canónicas que hoy resultan algo simplistas. Mediante el análisis
de 50 títulos esenciales del género, en este libro se dibuja un panorama
multidimensional, que muestra que la ciencia ficción —como el terror, la
fantasía o manifestaciones colaterales— ha sido capaz de reproducirse en
canales distantes pero comunicados haciendo posible la generación de un
macroconcepto, o macrogénero, como es el fantástico, que goza de una
excelente salud comercial y cultural.
El cine de cárceles ha desarrollado un lenguaje propio,
casi como si de un género se tratase. Y lo ha hecho para presentarse ante la
audiencia con muy diferentes intenciones: desde denunciar un sistema penal
con serias imperfecciones a relatar historias de superación, pasando por
descubrir injusticias e implicarnos en trepidantes fugas. Pero ya sea con la
intención de emocionarnos, sobrecogernos o incluso hacernos reír, cada vez
que una cámara se ha colocado al otro lado de las rejas lo ha hecho para
recordarnos el valor de un bien no siempre del todo apreciado: nuestra propia
libertad.
La fotografía es una disciplina tan apasionante como amplia. Es arte, pero a la vez técnica, es objeto, es representación, profesión y otras muchas cosas. Y algo similar ocurre con sus funciones: igual nos documenta un hecho, nos presenta a una persona o nos permite hacer una crítica o reivindicación, que nos ayuda a curar heridas, a inventar otros mundos o a mantener vivo un recuerdo. Apunta, enfoca y dispara hace un recorrido por cincuenta películas que nos ayudan a aproximarnos a la fotografía en sus diferentes formas, acepciones y facetas. Y ello, gracias a la mirada de cineastas que nos sirven historias en las que la fotografía tiene algo que contar y enseñarnos, ya sea como elemento nuclear, tangencial o accesorio. Es una compilación de filmografía esencial para aproximarnos a ella, para descubrirla, pensarla, que incluye desde títulos clásicos y universales, como La ventana indiscreta (Hitchcock, 1954) o Blow-Up (Antonioni, 1966), hasta otros contemporáneos, e incluso alguna que otra rareza.
La llegada del cinematógrafo reconfigura las dimensiones y los movimientos de la representación. En el tiempo de los pioneros, mientras se define el genio del nuevo siglo, la imagen en movimiento se inspira en los cuadros del teatro y sus particularidades para conformar parte de su identidad y convertirse en una subjetiva estructura de narración. Así, la trascendente relación de las dos expresiones artísticas es tan extensa como la propia historia del nuevo arte, si no más. A lo largo de su heterodoxa crónica, el cine se aproxima al universo del teatro y a sus figuras, estableciendo, una y otra vez, diálogos dimensionales y juegos de espejos. Estas aproximaciones pueden organizarse en diferentes etapas, desde la reverente idolatría de los primeros años del cine hablado hasta la desaparición de las fronteras y la aparición de ese lenguaje artístico múltiple que, ahora, en la década de los veinte del siglo XXI, al fin, empezamos a descubrir. El presente volumen propone una observación de la compleja relación entre el cine y el teatro a través del estudio de medio centenar de películas localizadas, de un modo u otro, al otro lado del telón.
Cineastas de todas épocas y lugares han sentido una poderosa atracción por situar el cine en el centro de sus películas. Con gran diversidad formal y argumental, el cine dentro del cine o metacine nos asoma a los procesos de la creación cinematográfica y al desempeño profesional de directores, productores, intérpretes y guionistas. El espectador obtiene un acceso privilegiado a las bambalinas del cine, y sufre y disfruta con los conflictos que afloran detrás de la cámara. El rodaje es, en efecto, un escenario en el que se desatan las luchas de egos, las relaciones de poder asimétricas, los imprevistos y las limitaciones humanas. Además, como los magos que muestran sus trucos, estos films revelan las estrategias que permiten generar la ilusión cinematográfica. También nos asoman al envés del éxito y la fama, y en ocasiones juegan con los trasvases que se producen entre la realidad y la ficción, entre la vida y el cine. Alejándose del pesimismo, el metacine se presenta, a veces, como carta de amor al séptimo arte. Mediante citas y alusiones, estas películas rinden homenaje al legado fílmico recibido. Y nos recuerdan que pocas experiencias resultan tan estimulantes y poderosas como la del espectador que se abandona a la pantalla para participar de otros mundos y otras vidas.
Vivimos en un mundo de encrucijadas medioambientales: contaminación de la tierra, el aire y el agua, sobreexplotación de recursos, emisiones desbocadas de gases de efecto invernadero, destrucción sistemática de ecosistemas y biodiversidad, y desequilibrios demográficos y socioeconómicos en el delirio del consumo desenfrenado y de nuestras reclusiones coloniales, de clase, género y raza, que inevitablemente nos enfrentan a nuestros modos de vivir y morir. Con el cine, que nos ofrece infinitas maneras de mirarnos en nuestras comunidades, podemos explorar con peculiar libertad narrativa nuestras formas de entender la naturaleza, nuestras expectativas, nuestros recelos, las profundas contradicciones en nuestra forma de organizarnos y de construir, históricamente, el medio en el que soñamos, sufrimos y amamos. El cine nos muestra que la venganza de la naturaleza no es más que un pretexto terrorífico, y que las soluciones de la destrucción del medio ambiente no habitan el ámbito de ningún tipo de providencia, sino de nuestra voluntad.
Cuando pensamos en la
economía, la solemos asociar al dinero. Algo aburrido, atractivo o inmoral,
según quien lo mire. Pero la economía es mucho más que eso. Son los problemas a
los que los países y las personas nos enfrentamos a diario, porque intentamos
ser felices y prosperar dentro de nuestras limitaciones de tiempo, dinero y
energía. Como la economía está en todo lo que hacemos, el cine necesariamente
trata sobre ella. Cada vez que un personaje toma una decisión, cada vez que
pondera los beneficios y los costes de sus opciones, eso es economía. Capital y trabajo describe esta relación íntima mediante un
repaso a la representación cinematográfica de la economía que cubre muy
diversos ámbitos: los sindicatos, las finanzas, la explotación de recursos
naturales, las empresas, la innovación, los conflictos por la propiedad, los
bancos, la inmigración, la mujer en el trabajo, el desarrollo, la
automatización, la precariedad laboral… Capital y trabajo quiere resultar útil, tanto para quienes quieren
aprender economía o sobre la economía a través del cine, como para quienes se
interesan por el cine con una temática económica. O simplemente para quienes
buscan entender mejor el mundo en el que viven.
La expresión Guerra
Fría, popularizada en 1947 por el periodista Walter Lippmann, alude al
prolongado conflicto que enfrentó a la Unión de Repúblicas Socialistas
Soviéticas y a Estados Unidos por la hegemonía mundial. Una pugna que se
libró en los frentes político, económico, científico, militar y cultural,
donde el cine desempeñó un gran papel. Las películas, de los más variados
géneros y estilos fueron el mejor medio de persuasión para inculcar al
espectador un orden simbólico que justificase la ideología de cada
superpotencia. Pero, también, desafiando a la censura, y gracias a sus
sofisticadas formas narrativas e iconográficas, el cine plasmó de manera
certera las tensiones sociales y políticas de toda una época,
proporcionándonos un documento histórico de primer orden protagonizado por
personajes tan diversos como Iósif Stalin, Ronald Reagan, Lev Kuleshov,
Sylvester Stallone, Nikita Jruschov, Billy Wilder, Grigoriy Chukhray, John
Wayne, Alfred Hitchcock, John Le Carré o Steven Spielberg.
Transcurriendo en paralelo a las rupturas estéticas de las vanguardias
artísticas de principios del siglo XX,
el cine experimental investiga el potencial del medio cinematográfico a través
de sus posibilidades formales y su trasfondo crítico. Estas prácticas fílmicas
interrogan las imágenes y los sonidos tecnológicos vindicando un espíritu
autodidacta, narraciones atípicas, formulaciones abstractas y temporalidades
inusitadas. Radicales
libres
analiza cincuenta obras fundamentales que constatan el desarrollo de la
experimentación desde la década de los años 20 hasta la actualidad. De la
sinestesia de la música visual a la transgresión del surrealismo; del vigor
autobiográfico del cine lírico al reciclaje matérico del found footage; del minimalismo del structural film a la irradiación del expanded cinema; del discurso metafílmico del
cine-ensayo a la pausa del documental contemplativo y del elogio fotoquímico
del celuloide al cine de artistas en el cubo blanco. Libertad y radicalidad
fundamentadas de modo cinemático.
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